Biographie d’André Zucca

 

André Zucca est né à Paris en 1897. Il est le fils unique d’une couturière piémontaise, Erminia Zucca et d’un père brodeur qui ne l’a pas reconnu. Entre 14 et 17 ans, il vit à New-York en compagnie de sa mère.

Il commence sa carrière de photographe dans les années 20 au journal de théâtre et cinéma Comoedia. Il épouse en 1933 la jeune comédienne Irène Dié (1909-1963). Le couple vit à Montmartre, au Bateau-Lavoir, puis rue Saint-Vincent.

Épris d’aventure, il réalise son premier grand reportage en 1935-36 à travers l’Italie, la Yougoslavie et la Grèce. En 1937, il part six mois sur le vieux cargo Min de la Compagnie des Messageries Maritimes, pour un voyage du Havre au Japon, via le canal de Suez. Il revient via la Chine, l’Inde, puis se rend au Sahara marocain. Il vend ses photos à différents journaux comme Paris-Soir, Match, Life, Picture Post.

En 1939, il devient attaché au 2e Bureau (services de renseignement). L’hiver 1939-1940, il est envoyé comme correspondant de guerre sur le front de Carélie, pour couvrir les combats de l’armée finlandaise contre l’armée soviétique. Début 1940, il travaille en France avec Joseph Kessel sur la drôle de guerre, pour le quotidien Paris-Soir.

En juin 1940, les Allemands occupent Paris. En septembre 1940, les autorités d’occupation décrètent l’interdiction de photographier à l’extérieur.

En août 1941, il devient correspondant du journal allemand Signal. Il obtient ainsi une carte de presse, un laissez-passer, des rouleaux de pellicules noir et blanc et couleurs.

Après la Libération, il est arrêté en octobre 1944 pour atteinte à la sûreté extérieure de l’État. Il est relâché sur intervention du colonel Antoine Moyen, adjoint du général Lattre de Tassigny. André Zucca quitte alors Paris en mai 1945 pour vivre à Garnay, près de Dreux. Les éléments à charge étant jugés insuffisants, les poursuites sont abandonnées en octobre 1945.

Sous le pseudonyme de “Piernic”, il ouvre une boutique de photographie à Dreux en 1952. Il fait des photographies de mariage, des portraits, etc. en Eure-et-Loir. Après la faillite de son commerce en 1965, il retourne à Paris, à Montmartre, où il meurt en 1973

 

Bien à vous

Saint-Sulpice

sources - photos et article -

http://saintsulpice.unblog.fr/2008/05/23/andre-zucca-les-parisiens-sous-loccupation/

  

 

 

 

 

 

 

 

 Un tandem-taxi se rend à Longchamp en août 1943 – Crédit photo: © André Zucca

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 Les halles 1942 - crédit photo Zucca

 

 

 

 

 

 

Les Halles. Paris, juillet 1942 – Crédit photo: © André Zucca 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 Rue de Belleville – 1944 – Crédit photo: © André Zucca

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Ménilmontant – 1944 – Crédit photo: © André Zucca 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 La station Marbeuf-Champs-Elysées, en 1943, aujourd’hui Franklin-Roosevelt. Les Champs-Elysées sont alors le principal lieu de divertissement de Paris – Crédit photo: © André Zucca

  

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Des enfants s’amusent au bassin du Luxembourg – Crédit photo: © André Zucca
 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Esplanade du Palais de Chaillot – Trocadéro – Crédit photo: © André Zucca 

 

 

 

 

Des soldats allemands profitent d’une permission aux puces de Saint-Ouen en septembre 1941 – Crédit photo: © André Zucca 

 

 

 

 

Le 28 mai 1942, une ordonnance astreint les juifs à porter l’étoile jaune – ici, rue de Rivoli – Crédit photo: © André Zucca 

 

 

 

 

Dans le Marais, rue des Rosiers – Crédit photo: © André Zucca

 

 

 

 

Une jeune cycliste cours de Vincennes, en 1941 – Crédit photo: © André Zucca 

 

 

 Lieu de sortie, le zoo de Vincennes reste ouvert sous l’Occupation – Crédit photo: © André Zucca

  

 

 

 

 

 

 

 

Le rationnement atteint la mode : les chaussures se parent de semelles de bois - Crédit photo: © André Zucca

 

 

 

 

Place de la Concorde – Juillet 1943 – Crédit photo: © André Zucca

  

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 Les chapeaux foisonnent sur l’hippodrome de Longchamp, en août 1943 – Crédit photo: © André Zucca

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 Signalisation allemande au marché aux puces de St-Ouen – Crédit photo: © André Zucca

 

 

 

Place de la Concorde – Juillet 1943 – Crédit photo: © André Zucca 

 

 

 

 

 

Devant les guichets du Louvre, en 1942 – Crédit photo: © André Zucca

  

  

  

 

 

Pont de la Tournelle. Habitant de Noisy-le-Sec sinistré à la suite du bombardement du 19 avril 1944 – Crédit photo: © André Zucca

 

 

 

 

Place Pigalle – 16 Mai 1944 – Crédit photo: © André Zucca

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 Cinéma «Lux Bastille» et gare de la Bastille. «Haut le vent», film de J. de Baroncelli – Crédit photo: © André Zucca 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

  

  

  

ARTICLE " HISTORIQUE" qui malheureusement fait partie aussi de l'Histoire de la France, sous l'occupation. 

 

André Zucca, reporter photographe

Son parcours

André Zucca est né à Paris en 1897. Il est le fils unique d’une couturière piémontaise, Erminia Zucca et d’un père brodeur qui ne l’a pas reconnu. Entre 14 et 17 ans, il vit à New-York en compagnie de sa mère.

Il commence sa carrière de photographe dans les années 20 au journal de théâtre et cinéma Comoedia. Il épouse en 1933 la jeune comédienne Irène Dié (1909-1963). Le couple vit à Montmartre, au Bateau-Lavoir, puis rue Saint-Vincent.

Épris d’aventure, il réalise son premier grand reportage en 1935-36 à travers l’Italie, la Yougoslavie et la Grèce [1]. En 1937, il part six mois sur le vieux cargo Min [2] de la Compagnie des Messageries Maritimes, pour un voyage du Havre au Japon, via le canal de Suez. Il revient via la Chine, l’Inde, puis se rend au Sahara marocain. Il vend ses photos à différents journaux comme Paris-Soir, Match, Life, Picture Post.

En 1939, il devient attaché au 2e Bureau (services de renseignement). L’hiver 1939-1940, il est envoyé comme correspondant de guerre sur le front de Carélie, pour couvrir les combats de l’armée finlandaise contre l’armée soviétique [3]. Début 1940, il travaille en France avec Joseph Kessel sur la drôle de guerre, pour le quotidien Paris-Soir.

En juin 1940, les Allemands occupent Paris. En septembre 1940, les autorités d’occupation décrètent l’interdiction de photographier à l’extérieur. [4]

En août 1941, il devient correspondant du journal allemand Signal. Il obtient ainsi une carte de presse, un laissez-passer, des rouleaux de pellicules noir et blanc et couleurs.

Après la Libération, il est arrêté en octobre 1944 pour atteinte à la sûreté extérieure de l’État. Il est relâché sur intervention du colonel Antoine Moyen, adjoint du général Lattre de Tassigny. André Zucca quitte alors Paris en mai 1945 pour vivre à Garnay, près de Dreux. Les éléments à charge étant jugés insuffisants, les poursuites sont abandonnées en octobre 1945.

Sous le pseudonyme de “Piernic”, il ouvre une boutique de photographie à Dreux en 1952. Il fait des photographies de mariage, des portraits, etc. en Eure-et-Loir. Après la faillite de son commerce en 1965, il retourne à Paris, à Montmartre, où il meurt en 1973.

En 1986, la Bibliothèque historique de la Ville de Paris achète aux enfants du photographe, Pierre (photographe de plateau et réalisateur) et Nicole, l’ensemble du fonds photographique.

Son travail sous l’Occupation

Jardins du Luxembourg – Mai 1942 – Crédit photo: © André Zucca

  

  

  

Pour Signal, André Zucca fait un travail de reporter photographe tout à fait classique, plus de dix mille clichés noir et blanc en témoignent. Il couvre ainsi les grandes manifestations à Paris : les visites officielles, les grandes messes des partis collaborationnistes (meeting du Parti Populaire Français au Vél’d’Hiv, 8 août 1943), les discours publics (Jean Hérold-Paquis, 6 septembre 1943), les commémorations (obsèques nationales de Philippe Henriot, 1er juillet 1944), les bombardements (Boulogne-Billancourt, 3 mars 1942, Montmartre, 20 avril 1944), la mode et la vie parisienne (courses à Longchamp), les faits de guerre (débarquement de Dieppe, août 1942).

Fin novembre 1942, il part pour un reportage sur le sabordage de la Flotte à Toulon. En chemin, il s’arrête à Manosque pour rencontrer et photographier Jean Giono.

 

Le cuirassé Strasbourg, fleuron de la Flotte de haute mer française, sabordé et coulé droit à l’appontement n°6 de Milhaud, le 27 novembre 1942, fait la couverture du “Signal” n°1943-3.

Il utilise aussi ses pellicules noir et blanc (du moyen format 6x6 pour son Rolleiflex) pour des travaux plus personnels, que ce soit des recherches esthétiques ou des souvenirs.

André Zucca reçoit également en dotation des autorités allemandes le rare film inversible Agfacolor 16 ASA, en rouleaux de 36 vues. L’Agfacolor-neu a été inventé en 1936 (le Kodachrome date de 1935), sa première utilisation remonte aux compétitions de natation des Jeux olympiques de Berlin.

  

  

 

Rue de Belleville – 1944 – Crédit photo: © André Zucca

  

  

  

Bien que Signal soit un des rares journaux au monde à publier des photographies en couleurs dans un encart central de 4 pages, André Zucca fait un usage en grande partie personnel de ces films, l’essentiel de sa production n’ayant aucun intérêt pour un magazine comme Signal. Effectivement, le journal n’a jamais publié une seule photo en couleurs de Zucca. Le photographe semble considérer son Agfacolor comme une plaisante expérimentation et un apprentissage, plus que comme un outil de travail.

De plus, l’Agfacolor était d’un usage difficile. Sa sensibilité extrêmement faible le condamnait à des prises de vue exclusivement en extérieur avec un soleil radieux et des vitesses lentes (1/100e dans le meilleur des cas). Pour ce film, Zucca utilise un Leica équipé d’un objectif Zeiss Tessar 50 mm ouvrant à 3,5.

“The Interchangeable Leica Lenses” - Brochure d’octobre 1937, imprimée en Allemagne.

Ces photos couleur sont exceptionnelles à plus d’un titre. Elles sont le seul témoignage en couleurs de Paris sous l’Occupation, conjointement aux photos du soldat allemand Walter Dreizner (mais ce dernier se concentrait plus sur les beautés féminines, “ah, les petites de femmes de Parissss…”, qu’autre chose).

Du fait de l’usage de la couleur, elles rendent ce passé plus proche du spectateur, plus prégnant que n’importe quelle photo en noir et blanc. La couleur a tendance à abolir la distanciation naturelle que nous avons par rapport aux autres visuels de cette époque ; en cela, elles sont troublantes.

  Rue de Rivoli – Mai 1942 – Crédit photo: © André Zucca

  

  

Le magazine Signal

 

Signal est le plus célèbre magazine de la Seconde Guerre mondiale. Fleuron de la propagande allemande, cette vitrine de prestige se veut le “magazine de l’Europe nouvelle”.

Destiné à l’étranger (il n’est pas diffusé en Allemagne), le magazine a pour mission de glorifier la puissance de la Wehrmacht et de justifier les choix politiques de l’Allemagne. Principalement axé sur les nouvelles militaires, politiques et économiques, on y trouve également des pages sur la mode, l’histoire, les arts ou le cinéma.

La maquette moderne, qui laisse une large place à la photographie, la bichromie noir-rouge, le format 27 x 36,5 cm, sont très largement inspirées du Life américain et du Match français (ancêtre du Paris-Match de 1949).

D’un point de vue historique et documentaire, Signal est un important fonds de photographies uniques sur les puissances de l’Axe, dont certaines sont parmi les plus célèbres de la période. Une très grande partie de ces photographies étaient produites par l’armée elle-même, grâce à de nombreux correspondants de guerre au cœur des différents théâtres d’actions (Propagandatruppe). Ces militaires dédiés à la “guerre de l’information” étaient équipés de boîtiers Leica IIIc.

Signal est édité par l’entreprise de presse Deutscher Verlag. Il s’agit en fait de la Ullstein-Verlag, fondée en 1877 par Leopold Ullstein, saisie en 1934 dans le cadre de l’aryanisation économique, et rebaptisée Deutscher Verlag en 1937. Cet éditeur était célèbre entre les deux guerres pour ses nombreux titres, dont le Berliner Illustrirte Zeitung, un quotidien illustré. La Deutscher Verlag publiera également l’hebdomadaire du NSDAP, Das Reich, et l’éphémère Panzerbär. Après-guerre, la famille Ullstein récupérera son bien.

Publié sous le contrôle du commandement des forces armées allemandes (Oberkommando der Wehrmacht), il est relativement indépendant du ministère de la propagande de Joseph Goebbels (Reichsministerium für Volksaufklärung und Propaganda).

Pour son premier numéro, le 15 avril 1940, Signal est imprimé à Berlin en quatre versions : allemande, française, italienne et anglaise. Par la suite, de nombreuses autres langues seront ajoutées, et plus de 100 traducteurs sont employés à Berlin à cet effet (toutes les versions sont quasiment identiques, étant des traductions de la version allemande). Le magazine est diffusé dans les pays de l’Axe (à l’exception de l’Allemagne), les pays occupés et les pays neutres, comme la Suisse, la Finlande, l’Espagne, le Portugal, les États-Unis (en 1940-41).

 

L’impression sera ensuite délocalisée de Berlin, c’est ainsi l’imprimerie Curial-Archereau à Paris qui assurera à partir de 1941 la fabrication des éditions pour la France, la Belgique et la Suisse. La distribution en zone libre et Afrique du Nord est assurée par Hachette.

Au plus fort de son tirage, en juin 1943, c’est 2 426 000 exemplaires, toutes langues confondues, qui seront imprimés, dont 800 000 pour la version française. Le magazine ne subit que rarement les restrictions de papier et le meilleur lui est toujours réservé.

Le magazine a une pagination de 40 à 48 pages et une périodicité plus ou moins bimensuelle (17 numéros en 1940, 23 en 1941 et 1942, 24 en 1943, 19 en 1944, 5 en 1945).

Pour le message politique, le magazine s’inscrit dans la propagande officielle : l’Allemagne n’a pas voulu la guerre, c’est la responsabilité de l’Angleterre qui a poussé les nations dans le chaos. Après la rupture du pacte germano-soviétique, ce sera le tour de la “Russie bolchévique”, naguère encensée, d’être dénoncée comme un artisan de la guerre, coupable de crimes odieux.

 

Jusqu’à l’année 1942 incluse, le journal est constitué de deux parties, séparées par une double page centrale de photos en couleurs. La première partie est consacrée à l’actualité et aux succès de l’armée allemande, la seconde, à la mode, l’art, l’histoire, le cinéma, montrant souvent une Allemagne moderniste à la pointe du progrès. On y trouve des publicités pour des produits et entreprises comme l’eau de Cologne 4711, Agfa, Audi, BMW, Commerzbank, Continental, Deutsche Bank, Dresdner Bank, Faber Castell, Henkel, Mauser, Mercedes-Benz, Merck, Olympia, Pelikan, Rolleiflex, Siemens, Telefunken, Zeiss, etc.

Jusqu’en 1943, contrairement aux autres titres de propagande, les allusions à la suprématie de la “race aryenne” et à la politique raciale allemande sont inexistantes. La vocation de vitrine à l’international incite à l’adoption d’un ton modéré. Dans l’iconographie, on ne verra jamais le moindre Untermensch.

Après la défaite de Stalingrad, le contenu politique est renforcé (il y a moins de victoires militaires à mettre en avant…). Part belle est faite à la “croisade de l’Europe contre le bolchévisme”, au recrutement de volontaires étrangers (LVF et Kriegsmarine en France). C’est après le débarquement allié en Italie (juillet 1943) que le ton se radicalise et qu’on peut y voir percer des attaques contre la “juiverie” internationale. L’Allemagne n’est plus en posture de vainqueur et le beau vernis craque…

Polémiques autour de l’exposition de la BHVP

L’exposition “Les Parisiens sous l’Occupation”, organisée par la Bibliothèque historique de la Ville de Paris, a été l’objet de polémiques qui sont l’évident symptôme que nous n’avons pas encore réglé de façon bien claire notre héritage historique de cette période. Nous touchons un certain tabou, comme j’ai pu le lire dans L’Express du 16 avril :

Mais surtout parce qu’ils nous confrontent à une capitale ensoleillée, aux terrasses bondées, où les bourreaux vert-de-gris semblent faire partie d’un paysage à la Prévert. Que ce « gai Paris » ait coexisté avec les rafles et les fusillés du mont Valérien est l’un des derniers tabous de notre mémoire collective.

Le malaise ne réside ni dans les photographies, ni dans les intentions de leur auteur, mais dans le regard de certains spectateurs, confrontés à une réalité qui n’est pas des plus réconfortantes au regard des “clichés” simplificateurs qui encombrent souvent la tête. Ne pas vouloir regarder franchement les faits, cela s’apparente à du déni. Oui, la collaboration a existé, oui, il y avait un semblant de vie normale à Paris, oui, les cinémas et théâtres étaient ouverts, oui, les enfants allaient jouer au parc, non, personne n’est mort de faim… La vie continuait tant bien que mal. Malgré le désagrément du ravitaillement, les nombreux tracas que j’ai exposés dans ce précédent billet, l’incertitude de l’avenir… et, pour le Juif, l’humiliation et la terreur, pour le Résistant, la rage intérieure au péril de sa vie, une grande partie des Parisiens vivaient au quotidien leur vie d’avant-guerre, métro-boulot-dodo, avec de temps en temps un divertissement comme le cinéma qui était alors très couru. La liberté, ou plutôt son manque, cela n’impressionne pas les émulsions photographiques. Il serait sans doute temps d’avoir collectivement une approche un peu plus décoincée de cette époque. Cette exposition a peut-être un mérite, celui de nous faire approcher le vécu d’une France avec 5 % de résistants, 5 % de collabos, 5 % de persécutés et 85 % de gens qui tentaient de faire avec. Cela doit-il gêner ?

Je ne pense pas qu’André Zucca fabriquait un travail de propagande en prenant ces photos-là, il ne faisait qu’être le touriste d’une ville qu’il aimait avec passion. Il n’omettait non plus pas des réalités moins reluisantes comme les Juifs étoilés, les miséreux en guenilles, la queue à la marchande de primeurs, ceux qui faisaient les poubelles des Halles. Il n’avait pas le projet de rendre compte d’une réalité globale à multiples facettes, de circonscrire une période, ce n’est pas un travail de reporter. C’est son Paris à lui. Un parmi d’autres.

Je vois une certaine hypocrisie et un aveuglement déplaisant à lire certaines réactions trop excessives (“L’exposition d’André Zucca perpétue la propagande nazie”…), quand il ne s’agit pas de tartufferie mensongère. J’ai souvent l’impression qu’il est des gens qui veulent à tout prix être scandalisés, qui réagissent toujours aux mêmes réactifs biens identifiés, comme le chiffon rouge excite le taureau. Prévisible et un peu dérisoire. Je retiens les mots de Pierre Marcelle chez Libération, en date du 10 avril, que je reprends à mon compte :

À la Mairie de Paris, le politiquement correct se découvre furieusement tendance, quoi qu’un petit peu à géométrie variable. On parle ici de l’exposition, à la Bibliothèque historique de la Ville de Paris, des photos d’André Zucca, intitulée « Les Parisiens sous l’Occupation ». Le Journal du Dimanche du 30 mars en rendit compte en termes fantaisistes, mais sur un ton de procureur qui suffit, semble-t-il, à déclencher une de ces polémiques dont l’histoire de la collaboration est gourmande.

[…] Ces vérités d’évidence devaient ne l’être pas assez pour l’adjoint à la Culture de la mairie de Paris, Christophe Girard, qui s’en émut. Est-ce le retour de la doxa gaullo-mitterrandienne d’une France quasi unanimement résistante, à laquelle le discours du Vel’d’Hiv’de Jacques Chirac, en 1995, avait mis, crut-on, un terme salubre, qui pointe à travers l’indignation de l’édile ? Malaise pour malaise, c’en fut un autre que de découvrir, distribué depuis dimanche dernier à l’entrée de l’exposition, cet « avertissement » louvoyant qui, tout en rendant hommage à « un témoignage précieux », jette un doute bien peu historique sur le caractère inédit des images exposées et un implicite opprobre sur l’exposition, son commissaire Jean Baronnet, et le conservateur de la BHVP Jean Dérens. Songez ! « Dans ces images, nulle trace de la Résistance, pourtant présente à Paris dès 1940 », proclame, avec ses lunettes roses, l’avis au visiteur…

On peut certes déplorer, c’est affaire de point de vue, que mille photos « résistantes » n’aient été simultanément accrochées en regard de celles de Zucca, ou que le Nuit et Brouillard de Resnais ne soit projeté en boucle dans ces lieux. Reste que ce vertueux et municipal souci de « pédagogie » ne nous était pas apparu l’hiver dernier à l’Hôtel de Ville de Paris, où l’exposition « Paris en couleurs » présentait, sans aucun complément d’information, un diaporama de 45 photos de la même série du même André Zucca.

Last, but not least, afin que son propos aille au bout de sa fonction d’éducation civique, ou « citoyenne », on eût apprécié que cet « avertissement », non signé, ne restât pas anonyme comme une lettre de dénonciation.

Le seul reproche important qui peut être fait à cette exposition est le légendage des photos que j’ai trouvé un peu indigent, sans être plus lourd de conséquences que ça. [Voir en post-scriptum les critiques fondées que l’on peut aussi faire au titre donné à l’exposition.]

André Zucca est un témoin de son temps, un reporter photographe de talent, j’espère qu’au-delà de certaines déclarations trop enflammées, vertueuses à peu de frais, nous retiendrons qu’il était un artiste de valeur qui nous a légué une œuvre importante. Et que certaines dissertations facilement indignées rejoindont la poussière qu’elles n’auraient jamais dû quitter. André Zucca nous offre une vision en couleurs partielle, mais non moins réelle, de la période de l’Occupation, celle de son bon vouloir et de la poésie de son regard, pas celle d’un propagandiste. Penser autrement me paraît être une pénible erreur de jugement.

Pour les atrabilaires sur commande, je ne peux dire que tout ce qui est excessif et éloigné de la réalité des faits, est futile et vain. Et, si cela était de l’ordre du possible, j’aimerais bien voir certains héros en chambre plongés au cœur des mêmes événements. J’ai pour ma part assez de doute pour ne pas présupposer de mes choix dans ces circonstances et j’éprouve un peu de condescendance pour ceux pour qui tout est blanc ou noir et sans nulle obligation d’assumer leurs conceptions simplistes jusqu’aux dernières extrémités vitales.

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Post-scriptum. Des compléments par rapport à l’exposition :

- Je l’ai visité avant que la polémique démarre. Et, à aucun moment, je ne me suis senti pris “otage” d’une quelconque manipulation. Des panneaux, très riches en textes, expliquent tout de façon convenable dès le début de l’exposition. Il suffit de les lire. Ce que je trouve dommage, c’est certaines légendes de photos, très spartiates, du style “Rue de Rivoli.”, sans rien plus. J’aime bien l’idée du JDD d’avoir confié le commentaire de quelques photos à un historien comme Marc Ferro, cela aurait pu être fait dans le cadre de l’exposition.

Les Allemands avaient installé leurs centres de commandement dans différents hôtels comme le Meurice, qu’on voit ici. Regardez la rue. Elle est vide. Non seulement il n’y avait plus d’essence, mais les occupants avaient réquisitionné beaucoup de voitures. Des vélos-taxis ont remplacé les taxis. Et on a commencé à voir apparaître des voitures à gazogène vers 1942. Si le Meurice est ici pavoisé de drapeaux, les Allemands n’en avaient pas pour autant mis à tous les coins de rue. Dans certains quartiers, on les voyait d’ailleurs assez peu.

Ça a quand même plus de gueule qu’un “Rue de Rivoli” tout nu…

- Le titre de l’exposition prête le flanc à la critique. J’aurai préféré un “Photographies en couleurs d’André Zucca - Paris sous l’Occupation”. Il est quand même étrange de ne pas mettre le nom de l’artiste en grand dans le titre d’une exposition qui lui est exclusivement consacrée… Si l’on veut faire une exposition intitulée “Les Parisiens sous l’Occupation”, c’est un tout autre programme, il faut donner à voir des photographes différents, des clandestins comme des Allemands, et même aller au-delà du témoignage photographique seul. (Cette histoire de titre révèle peut être le pire, que les organisateurs de l’exposition n’assument pas tout à fait leurs choix…)

- Il est dommage que l’exposition fasse peu cas de l’œuvre en noir et blanc de Zucca à la même époque, bien plus conséquente, cela aurait donné un contrepoint intéressant — et plus noir —, avec, notamment, ces photos absolument effrayantes de meetings collabos.

J’ai montré le catalogue de l’exposition à ma mère qui était adolescente à Paris pendant l’Occupation. Outre les résurgences de souvenirs amusés (“ah, les socquettes blanches”, “ah, les gazogènes, ça puait”, “ah, oui, cet hiver, qu’est-ce qu’on a eu froid”, “ah, les vélos taxis”, “ah, le Pam-Pam”, “Je me souviens…”), la photo qui a causé sa réaction la plus vive ne fut pas une en couleurs, mais celle en noir et blanc de la page 9 :

“Ce salopard d’Henriot, on en a pas tué assez de ces salopards ! Regarde-moi ces salauds qui allaient à son enterrement !” Puis, regardant la page en regard : “Et ce Hérold-Paquis, ce pourri, il a eu que ce qu’il méritait !”

(Jean Hérold-Paquis a été fusillé le 11 octobre 1945.)

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De son côté, la presse étrangère observe que les Français ont bien des difficultés avec leur mauvaise conscience, et délivre une analyse proche de la mienne, comme dans The Independent à Londres :

[…] Is the exhibition so misleading? Is it so shocking that most Parisians, with relatively few Jews and few active members of the Resistance, simply kept on being Parisians between June 1940 and August 1944? The notion that the French capital suffered terribly under the Nazi yoke was first fostered by General Charles de Gaulle on 25 August 1944, the day the city was liberated by French and American tanks. In an impromptu speech in front of the city hall, with German and collaborationist snipers still active on the rooftops, he paid tribute to “Paris outragée! Paris brisée! Paris martyrisée!” (Paris ravished! Paris smashed! Paris martyrised!) In truth, as the historian Jean-Pierre Azéema points out in the book which goes with the exhibition, Paris was deliberately treated with kid gloves by the Nazi propaganda machine.

In 1940, Adolf Hitler had intended to flatten the city but he changed his mind. His propaganda chief, Joseph Goebbels, ordered as early as July of that year that the conquered French capital should be encouraged to be “animated and gay” so that life under the Nazis would appear attractive to Americans and other neutrals.

The philosopher, Jean-Paul Sartre, in an essay in 1945, took issue with his fellow Parisians who were already portraying the Nazi occupation as a prolonged misery. “Let’s get rid of the simplistic images,” he wrote. “No, of course, the Germans weren’t running up and down the streets all the time with guns in their hands …” The most troubling thing for most wartime Parisians, Sartre said, was a sense of “bad conscience” that they were not doing more to resist the occupiers.

[…] General de Gaulle fomented the myth after the war that all French people were either collaborators or résistants. In truth, of course, 90 per cent were neither.

Zucca was able to get hold of German Agfa colour film, and take pictures freely in the streets, because he was a collaborator. He was not necessarily a Nazi sympathiser. He is described by his family as a right-wing libertarian. He had been a globe-trotting photographer for Paris Match before the war.

After the liberation, an attempt was made to prosecute him but the charges were dropped. He sank into anonymity as a camera shop owner in the provinces.

His colour negatives, faded and scratched over the years, have been wonderfully restored and cleaned for the exhibition. They have been converted into digital form, at 5,000 by 3,300 pixels, using a technique developed (irony of sorts) by a German company. The colours have been sharpened and adjusted to what is believed to be close to their original values. Zucca seems to have taken the pictures for his own interest and amusement. They were not commissioned, or published, by his Nazi employers.

The leaflet handed out by the city hall suggests that Zucca, as a collaborator, deliberately set out to ignore the harsher side of wartime life in Paris. It is more likely that he just photographed what he saw.

French myths, and “bad conscience”, about the war die hard. Hence the edginess about an exhibition which suggests that ordinary Parisians led relatively ordinary lives under Nazi rule.

If anything, the exhibition should be praised for portraying an awkward, but important, historical truth. There is a kind of courage in even the most banal and contented photographs in the exhibition. The determination of Parisians to be themselves, to get on with their lives, was, itself, a kind of resistance to Nazism.

[The Independent, John Lichfield : “Paris, 1942: La vie en rose”.]

  

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Notes

[#1] Son reportage en Yougoslavie a fait l’objet d’une exposition au Musée de Normandie à Caen “Carnets de route d’un grand hibou : la Yougoslavie en 1935-1936”, du 24 mars 2007 au 13 mai 2007.

[#2] Java, construit en 1912 pour la Deutsche-Australische Dampfschiffs Gesellschaft à Hambourg. Récupéré par la Compagnie des Messageries Maritimes en 1919, au titre des réparations de dommages de guerre, rebaptisé Min en 1920. 7 729 tonneaux. Saisi en 1942 à Bizerte par les Allemands et passé en 1943 sous pavillon italien. Rebaptisé Conegliano. Coulé par une attaque aérienne alliée à Gênes.

[#3] Voir l’article “Guerre d’hiver” de Wikipedia.

[#4] 16 septembre 1940. Ordonnance :

Le Commandant en chef des Armées allemandes décrète :

Interdiction de photographier :

Est interdit dans la zone occupée de la France de photographier en plein air, ou du fond d’une enceinte et de l’intérieur d’une maison. Sont exemptées de cette interdiction les personnes militaires allemandes.

En outre, le Feld-Kommandant compétent pourra dispenser de cette interdiction, quand il y aura une garantie que les intérêts du Reich, en particulier à la sécurité des forces allemandes ne pourront être compromises ou lésées.

Tel permis sera accordé par écrit et à court terme, devant contenir une énumération des objets à photographier. La personne autorisée sera tenue de le porter sur elle. Au bout du terme accordé, les clichés (plaques et pellicules pour les épreuves devront être soumis au contrôle de la Kommandantur locale, à laquelle sera remis en même temps le permis.

 

 SOURCES : article - http://embruns.net/carnet/autres-sujets/andre-zucca-reporter-photographe.html

  http://kinoute.org/log/les-parisiens-sous-loccupation.html

 

 

 

 

Dans les années 1925-1930 il photographia les illuminations

de Noël qui fleurissaient sur les grands magasins parisiens

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Le « déguisement » de la Californie

 

J'aime la Californie, j'ai pratiquement grandi à Phoenix.

-Dan Quayle

par le Dr Dennis Casey

[Extrait]

En février 1942, un sous-marin japonais Voici juste à l'extérieur de la baie de San Francisco. Quelques nuits plus tard, un autre sous-marin japonais a fait surface au large de Santa Barbara et ont tiré quelques obus sur une installation de stockage de pétrole. Un obus a explosé sur un pilier de l'océan.

Guerre venait de Californie.

Dans l'atmosphère de panique et l'inquiétude (avec les histoires d'agents secrets japonais derrière chaque bush et l'arbre), ministère de la guerre a ordonné le Lt Gen John L De Witt, chef du commandement de la défense occidentale, afin de protéger les installations le long de la côte du Pacifique - vitales pour déguiser en Californie.

Colonel John F Ohmer était stationnée à mars sur le terrain, 60 milles à l'est de Los Angeles. Il fut un pionnier dans les techniques de camouflage. En Angleterre en 1940, faite avec soin et placé de camouflage causé la Luftwaffe des déchets des milliers de tonnes de bombes sur des champs vides. Mois avant Pearl Harbor, Colonel Ohmer fait campagne pour une couverture protectrice de Wheeler Field, une importante base aérienne près de Pearl Harbor. Son plan a été rejeté comme trop coûteux, 56 210 $.

Quelques Semaines plus tard Wheeler et ses avions ont été détruits,

7 Décembre 1940, Goodyear Tire & Rubber a décidé de fabriquer des avions de leurre en caoutchouc semblables à ceux utilisés par les britanniques pour 1 000 $ par exemplaire. Mais le ministère de la guerre une fois de plus des plans de Ohmer. Il avait espéré disperser les avions factices sur les bases aériennes américaines à Hawaï. Mais maintenant, Ohmer a été inculpé de déguiser en Californie.

 

  

Studios de cinéma à Hollywood, Metro-Goldwyn-Mayer, Disney Studios, 20th Century Fox, Paramount, Universal Pictures et autres accepté le défi et offert des concepteurs scéniques, peintres, directeurs artistiques, paysagistes, animateurs, menuisiers, spécialistes de l'éclairage et hommes prop.

Tandis que ne pas expérimentés dans les affaires militaires, cette Légion d'experts des films ferait l'affectation du Colonel Ohmer beaucoup plus facile et tout à fait possible.

 

 

La photo du bas est un gros plan du dessus (comparer avec le blanc sur le côté droit).
Sur la photo de fond hommes peuvent être vu « travailler » - effectivement vérifier comment les arbres des plumes sont encapuchonner jusqu'à.

Dans les premières semaines de 1942, champ de mars a été vivant. Vous pouvez exécuter dans une petite ferme en cours de création avec les animaux, une étable, un silo et d'autres bâtiments. Paramètres pastorales utilisé des cadres de bois et de grands écarts de toile. Le tout atteint près de réalité quand un agriculteur voisin broutée ses vaches près des bâtiments bidons.

Dans d'autres sections de mars champ, dispersés avion leurre faite de morceaux de toile, les boîtes de ration et toile de jute sur fil de poulet comme bien aplatis comme des boîtes domine le paysage. Aucun de ces avions regardées réelles jusqu'à fermer mais a grande distance. Fausses pistes ont été faites par le brûlage de bandes herbeuses. En haut, elles ressemblaient à la chose réelle. Dans l'air 34 tous les bases étaient camouflés pour inclure la plantation de feuillage faux et couverture structurelle.

En même temps, Ohmer dissimulé usines clés et les usines de montage qui peuvent être des cibles, y compris de Douglas Aircraft. Dans un court laps de temps, toute la zone de l'usine a été camouflée. L'usine d'avion de Lockheed-Vega à Burbank était complètement caché sous une banlieue complete d'automobiles en caoutchouc et scènes de quartier rural paisible peints sur toile. Des centaines de fausses arbres et arbustes ont été placées pour donner toute la région un aspect tridimensionnel. Les arbres et les arbustes sont créés à partir de fil de poulet traitée avec adhésif, puis recouvert de plumes de poulet pour les feuilles, puis peints de différentes nuances de vert (avec des taches brun, même). Les conduits d'air ont été déguisées en bornes d'incendie.

Cette scène n'a pas pu tromper les capteurs d'aujourd'hui. Douglas Aircraft est le quadrant inférieur gauche de la scène.

Maintenir l'illusion d'un quartier requis des signes de vie et l'activité. Travailleurs émergé de relocaliser les automobiles et prend des promenades sur les podiums cachés. Certains ont pris le lavage de faux linge seulement pour le remplacer plus tard à prévue fois. Stationnement automobiles ont été déplacés pour indiquer les pilotes utilisaient leurs voitures quotidiennes et en retournant la maison du travail.

Demandes de « banlieue » introduit par Ohmer pour d'autres projets de camouflage. À Seattle, Boeing Aircraft a couvert près de 26 acres. Elle devenue recouverte par une ville complète avec les bâtiments municipaux, un parc, écoles et maisons.

Rue de faux

Le déguisement de la Californie a cessé d'être critique quand l'US Navy portait sur une défaite Super pour un groupe de travail du transporteur japonais à l'île de Midway. La menace d'une grave attaque contre la côte Ouest a diminué, puis disparu.

Source : www.findarticles.com © 2004 US Air Intelligence Agency Lackland Air Force Base, Texas

Une chose que je trouve intéressant, c'est que l'article ci-dessus rend l'idée de déguiser la côte ouest est presque exclusivement le Colonel Ohmer. Encore l'article sur la page précédente fait l'idée semble être Donald Douglas Sr, avec d'autres copies de lui.

Électronique Encyclopædia de la défense civile

Douglas Aircraft dessous

Usine de Douglas Aircraft : États-Unis. 1942. Un effort de défense passive vaste a été lancé en avril 1942 à protéger l'usine Douglas Aircraft à Santa Monica, en Californie, par le biais de l'application de l'un des plus vastes efforts camouflage jamais entrepris. Volontaires de divers studios de film de Hollywood a fait don de leur temps pour créer une usine de leurre plusieurs centaines de mètres de l'usine de réel en plein champ et à dissimuler la plante réelle comme une zone d'habitation. Revêtements fournit une protection pour le stationnement des aéronefs, et ballons de barrage, le phoque annelé plantes le réel et le leurre. Cependant, l'effort principal utilisé peinture minutieuse pour transformer la piste dans une zone résidentielle urbaine et l'installation d'un cadre en 3 dimension sur les bâtiments d'usine complètes avec les maisons de contreplaqué et les arbres et les buissons construits de fil de poulet et de tissu pour créer une colline fausse. Essentiellement, le projet de camouflage a été achevé en octobre 1942. Bien que le projet était destiné à protéger l'usine de photoreconnaissance japonais, ni la marine japonaise ni l'armée n'avait la capacité d'entreprendre une telle mission. Le niveau de détail atteint n'était possible dans un environnement de la Californie du Sud ; pluie ou neige aurait causé les composants à l'échec, donnant l'emplacement.

L'aire de stationnement de voiture.

prise de Stanley, Roy M II, de fou A Glass Eye : Camouflage contre escadrille dans la seconde guerre mondiale, Washington, DC, Smithsonian Institution Press, 1998.

Source : www.richmond.edu

	e précédente dans cette section) - pour l'histoire de Douglas Aircraft et plus d'informations et photos sur le projet de camouflage.
	e suivante de cette section) - le passage d'une époque (et la dernière des photos camouflage)...

 

  

Rêve de Douglas A aile à Santa Monica

Je n'ai pas peur de prendre l'avion ; J'ai une peur de s'écraser.

-Billy Bob Thornton

Donald Wills Douglas Sr

par Cecilia Rasmussen

Musée de volant de Santa Monica, qui dépeint l'histoire de l'aviation depuis près de trois décennies, est l'histoire elle-même maintenant, dépossédés par la hausse des coûts d'assurance. Comme elle des cercles à la recherche d'un nouveau site d'atterrissage dans une zone rurale, il laisse derrière ses racines dans une communauté de bord de mer qui une fois accueilli un concepteur ambitieux qui a transformé les voyages en avion. Beaucoup du patrimoine du Musée et de l'aéroport adjacente - qui est rester mis, pour beaucoup de consternation de ses voisins - est liée avec le pionnier de l'aviation Donald Wills Douglas Sr. il y a plus de 80 ans, Douglas Aircraft Company a effectué son premier avion, inaugurer Santa Monica dans l'histoire de l'aviation.

S'étale sur plus de 200 acres de terre maintenant-cher une courte distance de la plage, Santa Monica Airport a commencé comme une bande de terre dans un champ d'orge en 1919. Howard Hughes et le réalisateur Hal Roach utilisés pour arrimage. Rêves de Douglas s'y vol lorsqu'il est devenu le domicile de son usine d'avion. DC modèle jusqu'à des avions, militaires et civils - mais non compris le DC-10 - ont été construits il y. Le premier vol autour du monde, qui a été orchestré par Douglas, décollé et atterri il.

DC-10

Douglas, un New York native et diplômé du Massachusetts Institute of Technology, déménage à Los Angeles en 1920 pour profiter de son grand temps de vol. Il avait déjà conçu un bombardier de la seconde guerre mondiale histoire-fabrication de Glenn L Martin Company qui avait coulé deux navires de guerre allemands. Maintenant, il était déterminé à faire de sa propre initiative dans les affaires de l'avion. Avec lui dans une bagnole de siège baquet pour le lecteur de fond ont été sa femme, 2 enfants (le couple a finalement 5), un chien et 600 $ en argent comptant.

Douglas a commencé à concevoir des avions dans le back room d'un salon de coiffure sur le Boulevard de Pico. Mais les temps étaient difficiles. Pour aider à nourrir sa famille, il déterré son jardin et planté des pommes de terre - pourri rapidement. Il a eu recours au lavage des voitures. Un sportif riche, David R Davis, a ensuite entendu que Douglas était à la recherche d'investisseurs. Il a mis jusqu'à 000, dans l'espoir de monter à la gloire des ailes de Douglas. Il devait être un partenariat de courte durée.

En 1921, Douglas construit de premier plan de sa société, 2 places, biplan bois et tissu, il a appelé le Cloudster. Le 21 février, il est devenu le premier avion à décoller transportant des poids dépassant ses propres. Qui a contribué à attirer l'attention de la marine. Il a accepté de payer Douglas 120 000 $ pour les 3 Cloudsters qui pourraient être adaptés pour tirer des torpilles et d'atterrir sur l'eau. Mais il avait besoin d'argent pour les construire. Et c'est là que Davis soutenue, apparemment parce qu'il a été exploité hors - moins d'un an après la signature. Jeune entreprise que Douglas gauche un peu plus dans l'air.

Comme il a lutté puissamment pour remplir le contrat de la Navy, temps éditeur Harry Chandler a façonné un parachute. Le capitaine d'un journal qui a relancé les projets « air-minded » a permis d'amasser 15 000 $ à garder Douglas en entreprise. En 1922, Douglas s'installe à un studio de cinéma abandonné à Santa Monica et commence à fabriquer des avions militaires. Au champ voisin de trèfle, un site d'atterrissage de 15 acres nommé pour guerre mondiale pilote Lt Greayer « Grubby » trèfle, Douglas a testé son avion. Le 17 mars 1924, il fait l'histoire lorsque 8 aviateurs d'armée ont décollé du champ de trèfle de 4 monomoteur, cockpit ouvert Douglas monde croiseurs. Ils voulu faire le tour du globe, mais arrêté par Seattle afin qu'ils pouvaient désigner comme leur point de décollage. Qui serait garniture de temps hors de leur voyage - 2 semaines, qu'il s'est avéré. Les aviateurs s'est envolé dans les tempêtes de sable, pluie, vents de l'Arctique et, une fois, une montagne de conduite. Deux avions s'est écrasé, mais personne n'est mort. Les deux avions restantes revient à Clover Field 28 945 kilomètres et 175 jours plus tard, après avoir passé le tour du monde et scellé la réputation de l'avion Douglas. Il y avait 200 000 personnes en attente pour les accueillir.

Onze ans plus tard, Douglas construit le civil DC (pour Douglas Commercial) modèles, révolutionne le transport aérien d'entreprise pour les passagers ordinaires, non seulement de l'audace. L'avion a fait son voyage inaugural de Santa Monica. Douglas s'est déroulé grâce à la dépression, en élargissant le champ de trèfle. Mais une guerre se préparait, envoi de lui et sa ligne de production en overdrive. Maintenant une concurrence féroce avec 7 autres grands avionneurs Los Angeles, Douglas fut forcé de supprimer son esprit de compétition et de jouer gentiment avec ses concurrents. Les entreprises, qui comprenait Northrop et Lockheed, étaient tenus de combiner les opérations temporairement pour répondre à la demande en temps de guerre. Il haïssait, il est allé le long de la durée.

« Quand les dictateurs sont enfin bombardés au large de cette terre, nous allons redevenir rivaux et individualistes accidentés, » Douglas a écrit un article de magazine de 1942.

En 1940, comme un booster le moral de ses employés, qui étaient déjà des avions de combat de démarrage et quarts de 24 heures sur 24, il ouvre le théâtre Aero sur Montana Avenue à Santa Monica. Il a gardé à toutes les heures de fonctionnement pour ses travailleurs et le public peuvent profiter d'un nouveau comédies Abbott et Costello et autres rejets de Hollywood. Avec la seconde guerre mondiale faisant rage en Europe, Douglas réalisé bien avant Pearl Harbor que son usine était un canard assis pour une attaque aérienne. Il n'a pas d'attente pour le gouvernement de le protéger ; Il a pris les commandes. Douglas a demandé à son chef mécanicien et pilote d'essai, Frank Collbohm et un architecte de renom, H Roy Kelley, de concevoir un moyen de camoufler la plante. (Plus tard, Collbohm aurait trouvé Rand Corporation et Kelley concevrait siège.)

Le centre de la moitié de fond de cette photo dissimule en fait Douglas Aircraft avec des rues de toile de jute et d'arbres avec des feuilles de plumes de poulet.

Avec Warner Bros studio set designers, ils ont fait la plante et la piste d'atterrissage de disparaître - au moins de l'air. Près de 5 millions de pieds carrés de chicken wire, s'étendu à travers 400 grands pôles, couvert le terminal, les hangars, divers bâtiments et terrains de stationnement. Au sommet de la maille que se trouvait légers maisons ossature de bois avec attenant, des clôtures, des cordes à linge, même les « arbres » faites de fil torsadé et plumes de poulet peint pour ressembler à feuilles. Camions-citernes répandu la peinture verte sur la piste pour simuler un champ d'herbe. Rues et les trottoirs étaient peintes sur la couverture pour se fondre dans le quartier de Sunset Park adjacent de modestes maisons qui abritaient les employés de Douglas. Le plus grand hangar a été fait pour ressembler à un quartier de colline en pente douce.

Une fausse maison de contreplaqué perchée sur pilotis hautes avec un passage à travers la toile de jute qui couvrait l'usine d'avion ci-dessous.

Concepteurs même correspondant à pied les rues peintes avec les vrais. Quand ils l'ont fait, la zone était déguisée si bien que les pilotes avaient du mal à trouver le champ de trèfle. Certains d'entre eux débarquèrent à des pistes d'atterrissage à proximité au lieu de cela, protestant que quelqu'un avait déplacé le champ. Douglas adapté. Quand les avions étaient dues, il poste hommes à chaque extrémité de la piste de drapeaux rouges de vague comme matadors. Finalement, les signaleurs ont été remplacés par des marqueurs blancs peints sur les coteaux. (La façade a été un tel succès que Warner Bros répliqué, craignant que le studio ressemblait à une usine d'avions de l'air).

La rue sur la gauche est la toile de jute.

Le quartier simulé est devenu une partie de la communauté que, lorsque Douglas Aircraft hangar son déguisement en juillet 1945, il fut comme si un point de repère a été détruit.

Par le début des années 1960, Douglas avait évolué dans une société aérospatiale tentaculaire de 30 000 travailleurs. Mais le quartier a diversifier - et perdre son acceptation inconditionnelle de l'industrie. Bientôt, la compagnie a conclu Santa Monica résistant à ses plans d'expansion. Voisins protestent contre le bruit et les gens du côté de l'aéroport de LA détesté le fait que les avions de ligne se préparer pour les vols d'essai a soufflé huile et les morceaux de carbone sur leurs voitures.

Quelques années plus tard, la consolidation de l'industrie commenceront. La compagnie a fusionné avec un rival pour devenir McDonnell-Douglas Corporation en 1967 et s'installe à Long Beach en 1976. La piste de 5 000 pieds, ce qui était alors connu comme aéroport de Santa Monica a été trop courte pour la firme croissance production jet. Deux décennies plus tard, McDonnell-Douglas serait absorbée par un autre rival, Boeing Company. Quand la ville gauche de corporation, fils de Douglas, Donald Wills Douglas Jr, mis en place la Bibliothèque et le Musée de Donald Douglas pour commémorer l'héritage de son père. Douglas Sr est mort en 1981. Neuf ans plus tard, le Musée de Flying sans but lucratif, fondée par le parcours de golf et promoteur immobilier David Price, a remplacé l'ancien musée dans le cadre d'un remaniement de l'aéroport de 20 millions de dollars. Pièces incluaient avions vintage et une immense photo de quand l'aéroport et l'usine exploitaient sous le couvert de camouflage.

Après une longue journée de travail au Canada - au large de l'Aero avec la famille, un peu d'Abbott et Costello

Tout ce qui reste de l'opération de Douglas aujourd'hui est Santa Monica Airport, maintenant utilisé pour l'aviation générale ; l'Aero, luttant pour survivre à une invasion de multiplexes ; et le parc de trèfle, qui se trouve au sommet de l'usine originale de Douglas.

Source : www.latimes.com LA fois 4 août 2002

Voir aussi :

 

 

 

Ce GIF a été créé par Don Incoll d'Australie (mais j'ai refait il)

 

 

 

 

 

Construction de la Tour Eiffel

 

 

 

La construction du Golden Gate Bridge

 

 

 

Paris pendant l’Exposition Universelle de 1900

 

 

 

 

 

L’Égypte avant les touristes

 

 

 

 

 

 

 

sources ; http://www.laboiteverte.fr/du-wtf-a-lancienne/

 

 

 

 

 

 

Une petite collection de daguerréotypes

 

 

 

 

Ces portraits de criminels viennent des archives de la police de Sydney.
Le policier-photographe qui les a pris dans les années 20 devait avoir un grand sens artistique, même en ignorant le contexte chaque photo est superbe.

Ces portraits sont regroupés dans un livre intitulé « City of Shadows: Sydney Police Photographs 1912-1948« .

 

 

 

 

 

Robert Cornelius (1809–1893) est un photographe américain né aux Pays-Bas, intéressé par la chimie, il travaillait à améliorer le daguerréotype lorsqu’il prit ce portrait de lui même devant la boutique familiale au mois d’octobre 1839.
Cette photo est à la fois le premier portrait et le premier autoportrait photographique.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Robert Charles Durman Mitchum est un acteur et chanteur américain né le 6 août 1917 à Bridgeport (Connecticut) et mort le 1^er juillet 1997 à Santa Barbara (Californie) des suites d'un cancer du poumon.

Il a commencé en étant sous contrat avec la RKO.

 

 

 LE JOUR LE PLUS LONG

 

Premiers pas :

Robert Mitchum est né à Bridgeport, Connecticut, de l'ouvrier de chantiers navals et de chemin de fer James Thomas Mitchum et d'Ann Harriet Gunderson, immigrante norvégienne et fille d'un capitaine de marine^[1]. Sa sœur, Annette, (actrice sous le pseudonyme de Julie Mitchum) était née en 1913. James Mitchum mourut sur un chantier de chemin de fer à Charleston (Caroline du Sud) en février 1919, alors que Robert n'avait pas encore deux ans. Après la mort de son mari, Ann Mitchum reçut une pension du gouvernement, et se rendit compte bientôt qu'elle était enceinte. Elle rentra auprès de sa famille dans le Connecticut, et épousa un ancien officier de l'Armée britannique qui l'aida à élever les trois enfants puisqu'en septembre 1919 naquît John. Lorsque ses enfants furent en âge d'aller à l'école, Ann trouva un travail comme opératrice de linotype pour le Bridgeport Post.

 

Son apport au film noir :

Il est l'un des acteurs emblématiques du film noir depuis sa première apparition dans la série B L'Étrange mariage, mettant en scène un serial killer psychotique. Pour Lame de fond , il incarne le frère de Robert Taylor aux côtés de Katharine Hepburn dans ce qui sera la seule incursion dans le genre de Vincente Minnelli.

  

  

  

En 1946, dans Le Médaillon il est l'ex-mari de la femme fatale Laraine Day, alors que l'année suivante dans La Vallée de la peur (entre western et film noir), son personnage se remémore son passé tout en pourchassant ceux qui ont tué sa famille. Pour Feux croisés également sorti en 1947, Mitchum appartient à un groupe de soldats, dont l'un a tué un juif. Cette critique de l'antisémitisme et des méthodes d'entraînement militaire, réalisée par Edward Dmytryk, fut un film marquant de cette année-là et sera sélectionné pour cinq Oscars.

  

Après Feux croisés Mitchum joue le premier rôle d'un des meilleurs films de sa carrière, Pendez-moi haut et court/La Griffe du passé réalisé par Jacques Tourneur et photographié par Nicolas Musuraca. Il est Jeff Markham, un propriétaire d'une station-service isolée qui se retrouve rattrapé par son passé trouble avec le joueur Whit Sterling (Kirk Douglas) et la femme fatale Kathie Moffett (Jane Greer). Même s'il est passé relativement inaperçu au moment de sa sortie, le film a ensuite fait l'objet d'une reconnaissance tardive auprès des cinéastes et des journalistes qui le portèrent aux nues. L'acteur sera à nouveau photographié par Musuraca dans le « western psychologique » de Robert Wise Ciel rouge l'année suivante.

  

Mitchum Robert (1917-1997)

 

 

 

 

 

 

Joan Crawford, de son vrai nom Lucille Fay LeSueur, est une actrice et une productrice américaine née le 23 mars 1905^[1] à San Antonio au Texas, morte le 10 mai 1977 à New York.

Joan Crawford est l’une des stars les plus symboliques de l’âge d’or d’Hollywood. Sa carrière couvre, sur plus de quarante ans, les différentes époques des grands studios américains. Elle joua les filles délurées (les « flappers ») des années folles, les jeunes femmes arrivistes dans les années 1930, les femmes victimes dans des mélodrames des années 1940 et 1950.

Elle obtient un Oscar en 1945 pour Le Roman de Mildred Pierce.

Elle a été l’une des actrices américaines dont l’étoile a brillé le plus longtemps et l'une des rares vedettes du muet qui soit demeurée encore une grande star au cours des années 1960^;

 

 

 

 

 

 

 

 

 

D’origine modeste et de parents séparés avant sa naissance, Lucille Fay LeSueur se passionne pour la scène et le spectacle dès son plus jeune âge (son beau-père, qui quitte également sa mère, est propriétaire d’un théâtre à Lawton en Oklahoma). Elle adopte, en même temps que le pseudonyme de son beau-père, un nom de scène : Billie Cassin.

Âgée d’à peine douze ans, elle effectue divers travaux ménagers, elle travaille dans une blanchisserie puis comme vendeuse et comme serveuse de restaurant. Battue par ses proches et humiliée dans sa vie quotidienne, la jeune femme ravale sa fierté et n’a qu’une idée en tête: sortir de la misère. Elle cultive sa passion, la danse, et continue à prendre des cours et passer des castings.

Elle finit par devenir girl dans une troupe de théâtre et reprend son nom de Lucille LeSueur. Elle se produit successivement dans un hôtel de Kansas City en 1921, dans la revue d’Ernie Young à Chicago en 1923, à Détroit puis à Broadway en 1924 où elle devient spécialiste des danses à la mode (le charleston et le black bottom). Après un an de mariage, elle divorce de son premier mari, James Welton en 1924. C’est en gagnant un concours de danse qu’elle se fait remarquer par un responsable de la Metro-Goldwyn-Mayer, Harry Rapf, qui lui propose de tenter sa chance au cinéma en lui faisant passer un test.

  

  

Les années MGM :

Elle commence à 17 dollars la semaine pour la MGM, double Norma Shearer qui deviendra sa rivale attitrée et multiplie les figurations. Elle tourne en 1925 dans Pretty Ladies et obtient son premier rôle important dans Vieux Habits, Vieux Amis.

Mais son nom ne convient pas : un concours national est lancé pour lui trouver un pseudonyme et la voilà rebaptisée Joan Crawford^[3]. La transformation peut commencer.

Elle tourne dans plus de vingt films muets en quatre ans dont Plein les bottes avec Harry Langdon, L'Inconnu de Tod Browning avec Lon Chaney, Un soir à Singapour avec Ramon Novarro. Ambitieuse et impatiente de réussir, elle veut progresser. Elle assiste à d’autres tournages, elle fréquente leurs réalisateurs et les stars de l’époque, mais ça n’avance pas assez vite à son goût. « Comment décrocher un bon rôle quand Norma Shearer couche avec le patron ? » dira Joan. Norma Shearer était en effet mariée à Irving Thalberg, le grand producteur de la MGM.

Elle trouve enfin le succès et la consécration en danseuse de night-club dans Les Nouvelles Vierges d’Harry Beaumont, rôle qu’elle « chipe » à Clara Bow. Film symbolique sur l’ère du jazz qui bat alors son plein, elle y incarne une jeune fille « moderne », cheveux courts, buvant sec et changeant de partenaires masculins avec désinvolture. Elle y gagne ses galons de star !

Dès lors Louis B. Mayer, le directeur de la MGM, la bichonne et lui achète une maison et une voiture de luxe. La transformation continue, on la coule dans un moule et on lui crée une image de toutes pièces. Les esthéticiennes des studios se mettent au travail. « …Elle copie l’allure de Gloria Swanson et se fait la bouche de Mae Murray. Elle accentue le relief de ses pommettes, épile et arque ses sourcils. Elle subit des interventions chirurgicales à la mâchoire pour redresser ses dents. Elle se soumet à des régimes stricts et à un entraînement physique sévère. »^[3] Elle est confiée aux bons soins du brillant costumier Adrian, qui se charge, en 1929, de créer le style « Crawford » : glamour et sexy. Jusqu’en 1943, il dessina toutes ses toilettes à l’écran et presque toutes celles qu’elle porta à la ville^[3]. Il dira d'elle : « Joan est quelqu’un de très hardi et de très déterminé. C’est pourquoi elle est copiée. Il n’y a rien de négatif chez elle. Alors des milliers de femmes sont forcées de l’imiter, non seulement parce qu’elles sont persuadées qu’elles peuvent lui ressembler mais aussi parce qu’elles espèrent pouvoir acquérir ce tempérament positif qui contribue à son rayonnement. » ^[5] Un jour, enfin, elle se « trouve » : lèvres charnues soulignées d’un rouge à lèvres agressif, œil et cils maquillés de façon à approfondir le regard, sourcils épais. Elle sera transformée en une des plus grandes légendes de l’écran noir et blanc par la grâce de la machine à fabriquer les stars qu’est la MGM.

En 1929, elle passe avec succès « l’examen » du parlant avec Indomptée de Jack Conway. À cette époque, Joan est l'épouse de Douglas Fairbanks Jr., relation qui fait les choux gras de la presse du cœur. Grâce à lui, elle pénètre dans les milieux les plus fermés de la haute société hollywoodienne. Bien que les célèbres parents de son mari, Mary Pickford et Douglas Fairbanks, n’approuvent pas leur mariage, on voit souvent Joan à Pickfair, le domaine des Fairbanks, haut lieu du « beau monde » cinématographique^.

  

  

Des rôles tels que ceux de Greta Garbo et Norma Shearer l'attirent : aussi quand cette dernière, enceinte, doit s'arrêter Joan prend sa place dans Paid en 1930. Joan gagne alors autant d’argent que ses deux stars rivales de la MGM. Garbo fut d’ailleurs troublée par cette jeune star risquant de l’éclipser dans le film d’Edmund Goulding de 1932, Grand Hôtel, réunissant quelques-unes des plus grandes stars de la MGM et où Joan Crawford prouve que son jeu peut rivaliser avec celui de Garbo.

  

Au moment de la « Grande dépression » des années 1930, Joan incarne dans une série de films des personnages « au quotidien » auxquels les spectateurs peuvent s’identifier, contrairement aux inaccessibles stars du muet. Ce sont des rôles de jeunes vendeuses ou d’employées faisant leur chemin dans la vie malgré les difficultés, et qui atteignent un niveau social élevé tout en vivant dans le regret et le remords d’avoir renié leurs origines modestes, dans des films comme : Fascination (1931) de Clarence Brown avec Clark Gable, Le Tourbillon de la danse (1933) de Robert Z. Leonard avec de nouveau Clark Gable, Vivre et aimer (1934) de Clarence Brown et surtout le magnifique Mannequin (1937) de Frank Borzage avec Spencer Tracy (avec qui elle aura une liaison brève et torride) ^[8]. Dans ce rôle, Joan Crawford donne une de ses meilleures interprétations.

  

  

  

Pendant cette période, elle forme avec Clark Gable le couple idéal et explosif de la MGM. « … M. Mayer avait flairé dans le courant qui passait entre Clark et moi la possibilité de réaliser un gros boom financier (...) Les films que nous tournions faisaient tous recette… »^[9] Ils jouèrent ensemble dans huit films, de genres variés : des mélodrames comme La Pente, leur premier film ensemble, La Pécheresse, Fascination ; un drame sentimental La Passagère ; un film musical Le Tourbillon de la danse ; des comédies légères Souvent femme varie, Loufoque et Cie et même un film d’aventure carcérale Le Cargo maudit. L’actrice évoquera également une liaison avec l’acteur^[9].

Ayant divorcé de Douglas Fairbanks Jr. en 1933, elle épouse l'acteur Franchot Tone en 1935, qu’elle impose dans plusieurs de ses films.

  

 On la qualifie de « calamité pour le box-office ». La MGM qui a reconduit son contrat à 300 000 dollars par an(pour cinq années) s'inquiète.

Femmes de George Cukor, en 1939, lui rend pour un moment la confiance de son public. Avec son casting exclusivement féminin, le film la confronte, pour la dernière fois, à sa grande rivale Norma Shearer. On peut citer dans cette fin de règne à la MGM : Le Cargo maudit de Frank Borzage où Joan Crawford retrouve pour la dernière fois son partenaire favori, Clark Gable, et deux films de George Cukor Il était une fois et Suzanne et ses idées. Les films suivants sont des échecs et sa carrière à la MGM s’effondre.

En 43, elle quitte par « la petite porte » la compagnie après 18 ans de bons et loyaux services.

  

Les années Warner Bros :

Après avoir fait le siège de la Warner, la compagnie lui ouvre ses portes avec l’idée surprenante d’en faire la rivale de la grande star maison, Bette Davis, un choix sans doute prescrit pour calmer les revendications de cette exigeante actrice qui avait eu bien des conflits avec Jack Warner, le patron de la compagnie, et peut-être même pour lui succéde^].

Joan Crawford va prendre son temps et examiner les projets qu’on lui propose pour réussir son retour. C’est sur un scénario rejeté par Bette Davis et Barbara Stanwyck qu’elle va faire son choix^.. Et bien qu’elle soit au creux de la vague, Crawford va réaliser un come-back retentissant avec Le Roman de Mildred Pierce. Ce film, un mélange de mélodrame et de film noir, est l’histoire d’une mère désenchantée, il est réalisé de façon magistrale par Michael Curtiz et rarement Crawford avait été aussi émouvante. C’est le succès critique et public, avec une recette de cinq millions de dollars^[13]. Elle reçoit la consécration avec l’Oscar de la meilleure actrice et sa carrière redémarre. La Warner lui signe un contrat pour 7 ans à deux cent mille dollars par film.

Pour la petite histoire, Joan Crawford prétexte, le soir de la cérémonie des Oscars, une pneumonie, et c’est alitée, parfaitement pomponnée, qu’elle reçoit la précieuse statuette.

Son film suivant, Humoresque, confirme la résurrection de la star et dès lors, toutes ses apparitions se soldent par un succès commercial : Femme ou maîtresse d’Otto Preminger, La Possédée, Boulevard des passions de Michael Curtiz, L'Esclave du gang, Le Masque arraché...

En 1952, Crawford quitte la Warner et devient indépendante.

  

  

Le chant du cygne :

Elle revient triomphale à la MGM en 1953, après 10 années d’absence, pour tourner un film musical La Madone gitane. Mais surtout, elle tourne Johnny Guitare en 1954, western baroque et flamboyant, un chef-d’œuvre de Nicholas Ray qui lui offre un de ses plus beaux rôles, celui de la farouche Vienna. Le film est adulé par les critiques et les cinéphiles.

Elle continue de tourner dans des mélodrames, ces « films de femmes » qui sont maintenant rivées devant le petit écran et le préférent au grand. De plus, avec l’âge, les rôles se font de plus en plus rares.

Joan tourne son chant du cygne en 1962 avec Robert Aldrich dans Qu'est-il arrivé à Baby Jane ?. Elle est confrontée pour la première fois à son ancienne rivale de la Warner, Bette Davis. La rencontre des deux monstres sacrés est terrible et vire à un véritable affrontement. Mais le film est un succès et redonne aux deux stars une renommée internationale. C'est un tel triomphe qu'une suite est entreprise en 1965, Chut... Chut, chère Charlotte, mais Joan Crawford tombe malade et déclare forfait. C’est Olivia de Havilland qui la remplace auprès de Bette Davis.

Elle joue par la suite dans des films d’horreur sans grand intérêt et travaille beaucoup pour la télévision. Elle est dirigée en 1969 par Steven Spielberg dans l'épisode The eyes. Il s'agit d'un des trois épisodes pilotes de Night Gallery. Après un dernier film en Grande-Bretagne en 1970, Trog, elle met un terme à sa carrière.

Après un troisième mariage avec l’acteur Phillip Terry (1942 – 1946), elle épouse le PDG de Pepsi-Cola, Alfred N. Steele en 1955. Il lui légue la société à sa mort en 59 et elle s’installe au comité de direction de la multinationale pendant quinze ans. Ne pouvant pas avoir d’enfants, l’actrice a adopté trois filles et un garçon (Christina, Kathy, Cindy et Christopher).

Joan Crawford meurt à New York le 10 mai 1977 rongée par un cancer.

Christina publie en 1979, après la mort de sa mère, une biographie « Maman très chère », très critique sur sa manière d'éduquer ses enfants, qui fera l’objet d’une adaptation avec Faye Dunaway dans le rôle de Joan Crawford.

  

  

Citations :

• « …Elle était et est encore une grande personnalité du cinéma. Vous pouvez la photographier de n’importe quel angle, de n’importe quel côté, n’importe où, dans n’importe quelle condition. Elle est toujours magnifique. Mais son vrai talent, c’est la manière qu’elle a de marcher. Si tout ce qu’elle a à faire, c’est de marcher d’un bout à l’autre de cette pièce, vous observez que quelque chose de très spécial se produit. Sa démarche, la manière dont elle déplace ses bras, la position de la tête… eh bien, elle attire votre attention simplement en se déplaçant et elle vous accroche immédiatement. Elle n’a pas à ouvrir la bouche, elle a à marcher, juste marcher. Et elle sera superbe... » George Cukor ^.

Anecdotes :

• Elle fut nommée par l'American Film Institute dixième meilleure actrice de légende du cinéma.

• Le groupe Blue Öyster Cult lui a consacré une chanson à son nom, sur l'album Fire Of Unknown Origin en 1981. (la piste 8)

• Elle fut une joueuse de bridge de niveau mondial, mais choisit de développer au cinéma son jeu réaliste et original.

• L'émail si blanc de ses dents était le résultat de longues et douloureuses opérations.

• Walt Disney Pictures s'est inspiré d'elle pour dessiner la Reine-Socière de Blanche-Neige et les Sept Nains.

• Joan Crawford et Myrna Loy furent de grandes amies. Elles s'étaient rencontrées sur le tournage de Pretty Ladies. La première était frivole tandis que la seconde était plutôt sérieuse. Ce qui ne les empêcha pas d'avoir eu, chacune, une liaison avec Spencer Tracy et de garder le silence ensuite^.

• Marcel Pagnol a, pendant un moment, pensé à l'engager pour le rôle d'Aurélie dans La Femme du boulanger, et a contacté son agent ; comme elle ne parlait pas le français, il a réduit ses répliques au minimum, avant de confier finalement le rôle à Ginette Leclerc.

SOURCES : WIKIPEDIA

 

 

  

 

 

Ida Lupino est une actrice, scénariste, productrice et réalisatrice américaine, née le 4 février 1914 à Londres (Royaume-Uni), morte le 3 août 1995 à Los Angeles (États-Unis).

 

 Biographie :

Ida Lupino fait ses débuts d'actrice de cinéma en Angleterre, dans de petites productions, avant de partir pour Hollywood où on la remarque en 1935 dans Peter Ibbetson d' Henry Hathaway. Elle ne rencontre véritablement le succès qu'à partir de 1941, avec Une femme dangereuse et High Sierra de Raoul Walsh. Tout au long de sa carrière, elle interprète des rôles de composition, incarnant souvent des femmes fatales ou malheureuses. Raoul Walsh, Nicholas Ray, Fritz Lang, Robert Aldrich lui offrirent ses plus beaux rôles.

  

  

  

Au milieu des années 1940, Lupino est attirée par la réalisation. Elle a raconté comment elle avait eu l'impression de s'ennuyer sur les plateaux de tournage alors que « quelqu'un d'autre semblait faire tout le travail intéressant ». Avec son mari, le producteur et scénariste Collier Young, elle monte une société de production indépendante, The Filmmakers, et devient productrice, réalisatrice et scénariste de films à petit budget, abordant souvent des questions de société.

  

  

En 1949, sa première réalisation lui échoit de façon inattendue, quand Elmer Clifton, qui dirigeait, pour The Filmmakers, Avant de t'aimer (Not Wanted), film dont elle avait écrit le scénario, subit une crise cardiaque mineure et doit abandonner le tournage. Lupino reprend le film et le termine. Dans les années qui suivent, elle réalise ses propres projets, et devient à Hollywood l'une des rares réalisatrices de l'époque, avec des films remarqués comme Never Fear et The Bigamist.

  

  

Dans The Village Voice, la journaliste Carrie Rickey a écrit qu'Ida Lupino a été un modèle pour les réalisatrices : « Non seulement Lupino prend en main la production, la réalisation et le scénario, mais chacun de ses films aborde frontalement la sexualité, l'indépendance, la dépendance ».

  

  

Après quatre films « de femme » sur des questions de société, dont Outrage, en 1950, sur le viol, Lupino réalise son premier film d'action, Le Voyage de la peur (The Hitch-Hiker) en 1953, faisant d'elle la première femme à diriger un film noir.

  

  

  

  

Pour l'écrivain Richard Koszarski, « ses films affichent les obsessions et la cohérence d'un véritable auteur... Lupino montre des mâles dangereux et irrationnels, semblables en cela aux femmes telles qu'elles sont représentées dans la plupart des films noirs d'Hollywood dirigés par des hommes » ^[2].

En 1952, Lupino est devenue la « quatrième star » de Four Star Productions en rejoignant dans la société de production Dick Powell, David Niven et Charles Boyer, après le retrait de Joel McCrea et Rosalind Russell.

En 1954, elle écrit un autre scénario de film noir, réalisé cette fois-ci par Don Siegel, Ici brigade criminelle (Private Hell 36). Lupino a souvent plaisanté en disant que si elle avait été, en tant qu'actrice la « Bette Davis du pauvre », elle était devenue comme réalisatrice le « Don Siegel du pauvre ».

Après ses longs métrages pour le cinéma, elle réalise de nombreux épisodes de série télévisée notamment pour Alfred Hitchcock présente, Ma sorcière bien-aimée, La Quatrième Dimension, Le Fugitif, Les Incorruptibles.

Ida Lupino meurt des conséquences d'un cancer du côlon le 3 août 1995 à Los Angeles.

  

Elle est enterrée au Forest Lawn Memorial Park en Californie, à côté de la tombe de Errol Flynn.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Darrieux Danielle

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

photos JAPON

  

  

  

  

  

  

  

  

  

  

  

  

  

  

  

  

  

  

  

  

  

  

  

  

  

  

  

  

  

 

  

Biographie Anthony Hopkins

De son nom complet Philip Anthony Hopkins, l'acteur américain d'origine britannique est mauvais élève, mais l'école lui permet néanmoins de s'essayer au théâtre. Ainsi s'inscrit-il dans un club d'art dramatique et envisage de faire carrière dans la comédie. Diplômé de la prestigieuse Royal Academy of Dramatic Art de Londres, membre du Phoenix Theather Company de Leicester, il rejoint en 1965 sir Laurence Olivier au Théâtre national britannique. C'est en Richard Coeur de Lion qu'Anthony Hopkins se fait connaître au cinéma en 1968 dans 'A Lion in Winter' d'Anthony Harvey, aux côtés de Peter O'Toole et Katharine Hepburn. Avec une centaine de films à son actif, Anthony Hopkins devient mondialement célèbre en 1991 grâce à son interprétation du terrifiant psychiatre cannibale Hannibal Lecter dans 'Le Silence des agneaux' de Jonathan Demme, rôle qui lui vaut un oscar.

  

  

  

  

Il reprend avec délectation ce personnage fascinant dans 'Hannibal' et 'Dragon rouge' de Brett Ratner, et assure enfin la narration du film 'Hannibal Lecter : les origines du mal'. Outre cette interprétation, il est dirigé par les plus grands. On retiendra en particulier 'The Elephant Man' de Lynch, 'Dracula' de Coppola, 'Nixon' et 'Alexandre' d'Oliver Stone, 'Amistad' de Spielberg ou encore 'Howards End' et 'Les Vestiges du jour' de James Ivory. Légende du septième art, actif et éclectique, Anthony Hopkins garde intacte sa soif de jouer, du drame à la fresque historique en passant par la comédie.

  

  

  

  

Biographie

 début des années 60, Anthony Hopkins rejoint Sir Laurence Olivier au Théâtre National Britannique. Il devient alors vite l'une grandes figures de la scène d'outre-manche. C'est en 1967 qu'il débute sur grand écran, dans The White bus, avant d'être véritablement remarqué, un an plus tard, dans Un lion en hiver.

Après de multiples apparitions dans des seconds rôles, au cinéma comme à la télévision, Hopkins refait fait parler de lui en 1977 grâce à Audrey Rose de Robert Wise, puis l'année suivante avec Magic de Richard Attenborough. Il joue ensuite des premiers rôles pleins d'humanité dans des films comme Elephant Man (David Lynch, 1980), ou le remake du Bounty (Roger Donaldson, 1984).

Très présent sur le petit écran dans les années 80, Anthony Hopkins devient mondialement célèbre en 1991, grâce à son interprétation du terrifiant Hannibal Lecter dans Le Silence des agneaux de Jonathan Demme, rôle qui lui vaut un Oscar. Il reprend avec délectation ce personnage fascinant en 2001 et 2002, dans Hannibal et Dragon Rouge de Brett Ratner.

 Dans les années 90, Anthony Hopkins est, pour James Ivory, homme d'affaire au coeur sec dans Retour à Howards End (1992) et majordome élégant et secret dans Les Vestiges du jour (1993). Il est ensuite tour à tour pourfendeur de vampires dans Dracula (1992), homme politique dans Nixon (1995), patriarche richissime dans Rencontre avec Joe Black (1998) et justicier vieilli mais plein de panache dans Le Masque de Zorro (1998).Anobli par la Couronne Britannique en 1993, citoyen américain en 2000, régulièrement nommé aux Oscars et Golden Globes, Anthony Hopkins, légende du septième art, garde intact sa soif de jouer. Très actif et éclectique, l'acteur entame ainsi le nouveau millénaire en force, abordant aussi bien le drame (Coeurs perdus en Atlantide, La Couleur du mensonge), la comédie (Bad company) que la fresque historique (Alexandre).

Il continue d'incarner des personnalités réelles, mais dans des histoires plus proches de notre époque et, surtout, plus modestes, que ce soit un juge (Les Fous du roi, de Steven Zaillian), ou un retraité passionné de vitesse (Burt Munro, de Roger Donaldson), ou un protagoniste de l'assassinat de Bobby Kennedy (Bobby, d'Emilio Estevez). Il revient également à la réalisation avec Slipstream, un film sur lequel il est également acteur et compositeur (Hopkins est un pianiste accompli), mais pour lequel il peine à trouver un distributeur.

En 2007, dans La Légende de Beowulf, l'acteur prête - littéralement - ses traits au roi Hrothgar par le biais du procédé de performance capture, censé être plus fidèle au jeu des acteurs que les traditionnelles méthodes de captation de mouvement. Cette même année, il interprète l'un des protagonistes de Bobby, un film centré sur l'assassinat du sénateur démocrate Robert F. Kennedy, et se glisse à nouveau dans la peau d'un personnage menaçant et manipulateur dans La Faille, face au jeune Ryan Gosling.

 

En 2010, le comédien interprète le père de Benicio Del Toro dans Wolfman, un film de loups-garous, avant de changer complètement de registre en s'affichant aux côtés d'Antonio Banderas, Josh Brolin et Naomi Watts dans Vous allez rencontrer un bel et sombre inconnu, une comédie sentimentale signée Woody Allen.

 

 Pianiste virtuose, artiste-peintre accompli, il coule des jours paisibles à Los Angeles avec sa troisième femme, l'actrice Stella Arroyave, de 19 ans sa cadette. Il est père d'une fille, Abigail Hopkins, née en 1968, dont la maman est l'actrice Pietronella Barker, sa première épouse. 

  

  

  2010 WOODY ALLEN

  

 

 

 

mars 2011 

  

  

Filmographie :

 

Acteur :

 

  

  

 

2009 : The Wolf Man, de Mark Romanek

 

  

2007 : La Faille, de Gregory Hoblit

 

2007 : Beowulf, de Robert Zemeckis

 

2006 : Bobby, d'Emilio Estevez

 

2005 : Irréfutable (Proof), de John Madden

 

2005 : Burt Munro (The World's Fastest Indian), de Roger Donaldson

 

  

 

2004 : Alexandre (Alexander), d'Oliver Stone

 

2003 : La Couleur du mensonge (The Human Stain), de Robert Benton

 

  

  

2002 : Dragon rouge (Red Dragon), de Brett Ratner

 

2002 : Bad Company (Bad Company), de Joel Schumacher

 

  

 

2001 : Hannibal, de Ridley Scott

 

2001 : Coeurs Perdus en Atlantide (Hearts in Atlantis), de Scott Hicks

 

1999 : Titus, de Julie Taymor, d'après la pièce Titus Andronicus de William Shakespeare

 

1999 : Instinct, de Jon Turteltaub

 

1998 : Rencontre avec Joe Black (Meet Joe Black), de Martin Brest

 

1998 : Le Masque de Zorro (The Mask of Zorro), de Martin Campbell

 

1997 : Amistad, de Steven Spielberg

 

  

 

1997 : À couteaux tirés (The Edge), de Lee Tamahori

 

1996 : Surviving Picasso (Surviving Picasso), de James Ivory

 

1996 : August, d'Anthony Hopkins

 

1995 : Nixon, d'Oliver Stone

 

 

1994 : Légendes d'automne (Legends of the Fall), d'Edward Zwick

 

1994 : Aux bons soins du Dr Kellogg (The Road to Wellville), d'Alan Parker

 

1994 : A Century of Cinema, de Caroline Thomas

 

1993 : Les Vestiges du jour (The Remains of the Day), de James Ivory

 

1993 : Les Ombres du coeur (Shadowlands), de Richard Attenborough

 

1993 : L'Innocent (The Innocent), de John Schlesinger

 

  

  

1992 : Retour à Howards End (Howards End), de James Ivory

 

1992 : Le Pouvoir et la haine (To Be the Best), téléfilm de Tony Wharmby

 

1992 : Dracula (Bram Stoker's Dracula), de Francis Ford Coppola

 

1991 : Le Silence des agneaux (The Silence of the Lambs), de Jonathan Demme

 

1990 : Desperate Hours (Desperate Hours), de Michael Cimino

 

1988 : Le Dixième homme (The Tenth Man), de Jack Gold (Téléfilm)

 

1986 : 84 Charing Cross Road, de David Jones

 

1985 : Les Dessous d'Hollywood (Hollywood Wives), de Robert Day (Feuilleton télévisé)

 

1984 : Le Bounty (The Bounty), de Roger Donaldson

 

1981 : Le Bunker, les derniers jours d'Hitler (The Bunker), de George Schaefer (Téléfilm)

 

1980 : Elephant Man (The Elephant Man), de David Lynch

 

1980 : Changement de saisons (A Change of Seasons), de Richard Lang

 

1977 : Audrey Rose, de Robert Wise

 

1976 : Un pont trop loin, de Richard Attenborough

 

1976 : L'Affaire Lindbergh (The Lindbergh Kidnapping Case), de Buzz Kulik (Téléfilm)

 

1974 : Terreur sur le Britannic (Terror On the Britannic), de Richard Lester

 

1972 : Les Griffes du lion (Young Winston), de Richard Attenborough

 

1972 : Guerre et paix (War and peace), adaptation de la BBC du roman de Tolstoï, réalisé par John Davies

 

1969 : Hamlet, de Tony Richardson

 

1968 : Le Lion en hiver (The Lion in Winter), d'Anthony Harvey

 

 

 

Réalisateur :

 

2006 : Slipstream, d'Anthony Hopkins

 

1996 : August, d'Anthony Hopkins

 

1990 : Dylan Thomas : Return Journey, d'Anthony Hopkins 

  

  

  

 

Acteur anglais.A agi dans les films : "Le Lion en hiver," "Hamlet", "Elephant Man", « Charing Cross Road, 84 inch, « Silence des agneaux, » « Royaume des ombres », « Nixon », », Amistad, « reste de la journée, « Hannibal », etc..

 

Philip Anthony Hopkins est né le 31 décembre 1937 à Margeme - une banlieue de Port Talbot, pays de Galles. Ses parents, Tony, Dick et Muriel Hopkins, du matin au travail de nuit dans leur propre boulangerie.

 

Selon les amis, comme un enfant, Anthony était le type silencieux, un solitaire. « Plus souvent je me souviens comment j'ai aimé se cacher dans un coin de la Cour d'école, - confirme lui-même Hopkins - ferma les yeux et m'invisible imaginé.Il me semblait que dans ce cas me serait moins compliqué.I′m terriblement peur des autres enfants."

 

Déjà à l'école il a montré ses penchants artistiques, parodiant les enseignants et les mauvais jouer sur le piano.Son idole était un célèbre acteur britannique Richard Burton, également originaire du pays de Galles.

 

Hopkins est entré le Cardiff College of Music et le département d'art dramatique.Tous les deux ans d'étude, il a été bien éduqué et bonne bourse.

 

Après une carrière d'actor′s novice presque n'empêche pas de mémoire non formée (pour l'ignorance systématique des rôles il est expulsé de la troupe « Laybrerien tietr »), un autre temps - deux ans de service dans l'armée.

 

En 1961, Hopkins est entré à la Royal Academy of Dramatic Arts et obtient son diplôme avec une médaille d'argent.

 

Anthony a avec succès joué sur la scène - tout d'abord dans la province, puis dans les théâtres prestigieuses de Londres. Il reprend avec enthousiasme pour n'importe quel rôle. Hopkins, donc s'habituer à l'image qui pourrait paralyser la partenaire, si le rôle était censé pour venir avec lui à se battre.Administration a encouragé: « Tenir vous-même en main! »

 

En 1965, Hopkins a commencé à parler avec le grand Laurence Olivier′s National Theater de Londres. Les critiques ont souvent lui apprécié que critiqué. Cependant, après une querelle avec le directeur de que Hopkins est contraint de quitter le théâtre au cinéma.Plus tard, il dit: « dans le théâtre irrite moi que tout ce qui se passe il est très lent.Cinq semaines de répétitions et ensuite six mois sur la scène.Et comme si le temps s'est arrêté.Dans les films plus vite.Vous filmé (bien que l'image n'est pas encore) et encore mchishsya autre emplacement.

 

Au moment de ses débuts au cinéma dans un mélodrame historique "Le Lion en hiver » (1968) (un an avant il a joué dans le court-métrage « Bus blancs »), Hopkins était déjà bien connu dans le monde de l'intérim. Le premier s'est étonnamment bien : jouant le rôle du roi Richard cœur de lion dans sa jeunesse, Hopkins seulement ne pas gâcher l'image, dans laquelle le rôle principal interprété par Katharine Hepburn et Peter O′Toole, mais il semblait encore plus intrigante figure pour les critiques.

 

Hopkins semblait décente dans la version cinématographique de pièces classiques (il a joué Claudius dans « Hamlet » (1969) et Torvald dans une maison de poupée « (1973) Ibsen), avec un haut niveau de professionnalisme pour créer des images de personnalités historiques (Lloyd George dans Young Winston", 1972), paraissait bien dans les lignes d'action (fringant commandos « Lorsque huit Bells Toll », 1971).

 

Travail dans le film donne frais décents et fourni une vaste gamme d'amis intéressants.

 

 

Toutefois, la dépendance à l'alcool a remis en question sa carrière future. Fréquents accrochages avec les directeurs Hopkins envahis par les ragots, rumeurs, détail piquant : une fois que l'acteur mécontent a même tenté de briser la tête Directeur récalcitrants de cendrier lourdes. En 1972, il divorce de sa femme Petronell Barker, laissant sa fille, Abigail (fille allait devenir une actrice et jouera avec Hopkins dans le film "Reste de la journée"). « J'ai toujours été sujette à la dépression, a estimé très malheureuse. Oui même l'ivresse, - rappelle une difficile pour me Hopkins.-Boire de grandes quantités - pays de Galles dans l'ordre des choses.Dans sa jeunesse, l'alcool est bien mal que je n'a pas permis.Ivresse est hors de contrôle quand j'ai déménagé en Amérique.Puis m'a boire presque inconscient et est venu au bord du précipice, pensant que je ne correspondait pas à ce.Heureusement, au milieu des années 1970′s, j'ai lié avec l'alcoolisme, qui a sauvé ma vie."

 

Hopkins a offert de jouer dans "Antoine et Cléopâtre » à la scène de théâtre prestigieuse de Londres, avec les conditions imposées : une seule goutte d'alcool pendant les répétitions et les représentations. Hopkins accepte le défi : répétitions en cours de traitement. Il entra à la société des Alcooliques anonymes. La pièce est un grand succès. Inspiré, Hopkins démontre une incroyable capacité de travail, jouant en permanence dans le théâtre et le cinéma.

 

Il a accueilli avec enthousiasme à la scène de Broadway : le rôle du psychiatre dans la pièce « Ekvus », il a reçu le prestigieux critiques de théâtre américain.

 

 

Au cinéma le même Hopkins pendant une longue période n'a pas à obtenir la reconnaissance.Certes, il a remporté un Emmy Award pour son rôle comme un aventurier, un immigrant allemand Bruno Hauptmann dans le téléfilm « le cas de la Lindbergh kidnapping.

 

Elle a été retirée dans le film d'horreur "Audrey Rose" (1977), film d'action militaire-historique "Pont" loin (1974), la comédie « Le changement des saisons » (1980), le drame « Magic » (1978). Pont de la distance « et » Magic "sont une continuation de l'union créative Hopkins et le réalisateur Richard Attenborough.Leur collaboration a débuté en 1972 film « Young Winston ».

 

Hopkins a gagné en popularité répandue grâce à la jeune réalisateur américain David Lynch, qui créé une image inhabituelle de « Elephant Man » (1980) sur un certain John Merrick - le freak phénoménale qui vivait dans l'Angleterre victorienne. Jouer au docteur Frederick Travis, Merrick sortir d'une cellule animale, Hopkins a pu spectacle que sera une combinaison rare de kinogeroev, froid esprit analytique et cœur, sensibilité aux souffrances voisins.Oppression étrangère Dr Travis et sa poupe visage ramolli courageux regard bon et intelligent yeux - qui sont toujours tellement parle dans les portraits des héros Hopkins.

 

Il est connu pour sa thorniness et sa force de caractère.Acteur et il admet qu'il est impoli envers le « pauvre David Lynch pendant le tournage de « The Elephant Man ».Dans le même temps, selon son manager et ami de longue date Bob Palmer, « Tony n'un grain de cynisme.Il ne reconnaît pas l'hypocrisie.Et immédiatement clair quand he′s heureux et quand - aucun. »

 

Trois ans plus tard, dans le remake de « Bounty » (1984) de Roger Donaldson Hopkins a joué ce vilain.

 

 

Le film a été très bien reçu par les critiques. Mais cette fois, Hopkins avait atteint pas de renommée mondiale, bien qu'il reconnaisse virtuoses maîtres de l'école réaliste.

 

Dans la 1980′s l'acteur préfère le drame, le drame dans son sens le plus large : l'histoire de l'Évangile (Peter et Paul, 1981), biographie d'une figure historique (« Mussolini et moi : déclin et chute du Duce, 1985), comédie de situation (« chœur souffrant », 1989) et le mélodrame traditionnel ("homme marié", 1984) - où l'avocat prospère, un père de famille respectable conclut une affaire qui mène à des conséquences tragiques.

 

Même un film très moyen avec Hopkins a reçu le prix lors de festivals (p. ex., peinture, Charing Cross Road, 84 ", dont l'acteur remporte le prix du Festival du Film de Moscou en 1987 pour le meilleur acteur).Lui-même un acteur plutôt simplement défini le secret de son succès-« besoin de connaître l'ABC de son métier ».Et encore plus facile: « Vous devez connaître le texte du rôle et être capable d'enseigner ».

 

Apprendre à travailler sur une autre façon, assiste à Hopkins ...Zoo : regarder les animaux, il a conclu qu'ils avaient quelques lignes pour ses personnages.« Richard Burton écrit dans son autobiographie, ou dans un article qu'un jour qu'il a rencontré Picasso, qui lui a dit qu'il ressemblait à un lézard.Jusqu'au rôle de Hitler′s [dans le téléfilm « Bunker »] I′ve joue Macbeth au Théâtre National et lire les commentaires des auteurs américains sur ce personnage shakespearien.Comment il regarde dans l'obscurité et y trouve une sorte de Minotaure ossifiée, un monstre qui est en soi.Je me souviens que lorsque j'ai joué à Hitler.J'ai essayé d'imaginer un ptérodactyle congelé.

 

Pour beaucoup, l'acteur était une décision surprise d'accepter le rôle de la suspense classique « Le Silence des agneaux » (1991). L'intrigue de ce nezateyliv film : jeune kursantka école prend sur le FBI voulait un tueur en série, degloving de ses victimes - le psychiatre-cannibal accepte d'aider un jeune kursantke - maniac neutralisé, mais le cannibale s'est échappé de prison. Hopkins a également soulevé le film au niveau de la sensation. Et malgré le fait que le tout deux heures maintenant, il est présent dans le cadre de quarante minutes, Hopkins a gagné un Oscar dans la catégorie « meilleur acteur de l'année.Si grand était son magnétisme personnel.

 

Hopkins a une fois de plus réussi dans ce qu'on appelle, de présenter le texte - ie, récitant des mots banals, les yeux, les expressions faciales et pauses à des répliques, il a montré les malades mentaux et entité morte moralement a conservé la capacité de la subtile et créative de penser et d'agir. Sinistre cannibal-intellectuel tel qu'il a franchi les limites conventionnelles de son genre. Comme il regarde Dr Lecter ! Dangereux, profonde, sacrément intelligent ces yeux un prédateur dangereux. « Je voulais montrer qu'Hannibal - ne juste pas mal. Il est un bon psychologue et toujours en attente pour vous, - dit dans une interview avec Hopkins.-Vous voir, mal peut être très charmant."

 

Enfin, Hopkins est devenu mégastar de Hollywood.Sur la scène comme l'acteur brillant, capable de la psychologie subtiles et comme une star de renommée internationale et d'artiste, disponible pour tous les genres.Mais la célébrité a un autre côté.Bientôt les tabloïds britanniques pourraient et principal-feuille dissous rumeurs diffamatoires sur la femme d'actor′s présumée infidélité Jennifer Layton (ils ont rencontré pendant le tournage du film, où Jenny a travaillé dans le groupement de producteurs).

 

 

Sous les Cris titres tels que « Hannibal, Hopkins et une femme mariée » chronique scandaleuse a accusé l'acteur ayant une liaison avec l'actrice Joyce Ingollz - 45 ans mère de deux enfants et ex-maitresse, Sylvester Stallone, dont Hopkins a rencontré prétendument aux Alcooliques anonymes.

 

Acteur a refusé de donner des commentaires, mais manager Bob Hopkins Palmer appelé ces rumeurs sont extrêmement exagérés, ajoutant que l'acteur et sa famille sont extrêmement découragés par ces publications laides. « Je mène une vie simple - a souligné Hopkins.-Ne buvez pas d'alcool, pas de viande, sans sucre, sans produits laitiers.Ma seule faiblesse - parfois un cigare."

 

Hopkins′ femme, un ancien sous-directeur, a vécu à Londres. Liens familiaux libres sont satisfaits avec Hopkins , menant une vie ascétique et lui-même condamné service quasi monastique à la cause.

 

Un an après "Silence des agneaux, Hopkins est apparu dans le rôle du Dr Van Helsing, un chasseur de vampires dans le film de Francis Ford Coppola′s de sauvage" Dracula de Bram Stoker′s. « Ce rôle Hopkins avec une part d'humour et d'expression simulée. Sur le tournage de « Dracula », il disputaient avec des Coppola en raison de... des déchets de papier de taper ! Enfance Hopkins ne tolère pas de déchets.

 

En 1992, la Reine de la Grande-Bretagne, estimation de la contribution à l'acteur de la mère-patrie, Anthony Hopkins a accordé un titre de chevalier.

 

Pendant ce temps, sa carrière dans le film ont continué à émerger avec succès. Dans le « Royaume des ombres » (1993), Hopkins joue le rôle du théologien et écrivain CS Lewis. Cet anglais d'âge mûr et inexpérimentés considère comme le don du bonheur et le sort de son amour pour l'intelligent, élégant, mais désespérément malades American woman (jouée par Deborah ailier). Et le miracle s'est produit : le grand amour de prolonger sa durée de vie ! Selon le directeur Attenborough, le rôle de CS Lewis devint le haut de la page creative Hopkins.Aux États-Unis et en Europe, le film connaît un succès spécial avec le public instruit et religieux.

 

Hopkins a décidé d'essayer sa main à diriger.Cependant, plaçant le film « Août » basé sur la pièce Chekhov′s « Oncle Vania », il a déclaré que c'est sur avec le directeur, car il lui manque la patience de plusieurs mois, voire des années, à s'embêter avec un projet.

 

Hopkins pourrait jouer un coup de œil, torsion à l'intérieur de la visionneuse. Quel butler yeux Simmons dans le film « Reste de la journée » (1993) de James Ivory ! Ce qu'une tempête de sentiments effrénées derrière ce masque de politesse impeccable avec des yeux trop attentif ! Mais Anthony Hopkins′ yeux - qu'une partie de sa magie par intérim, sur lequel nous pouvons écrire des livres ensemble.

 

« Au cours des 10 dernières années I′ve été jouer certains types de morts de moitié, que j'ai eu assez - soudainement s'est plaint Hopkins.-Par exemple, le rôle de « Reste de la journée » absolument pas pour moi, mais j'ont travaillé avec enthousiasme, parce qu'il savait comment être émotionnellement présents à cette image.Mais même un important veulent pas un rôle à jouer plus.Je ne veux pas revivre tout cela.Tellement horrible à digérer une vie sombre sombre dans la dépression, un homme qui est tellement pathétique et stupide, que rien n'essaie pas même de refaire leur vie.

 

 

Ces rôles - le piège.Je ne suis plus capable de faire le mort."

 

Conscient de la nature explosive de Hopkins, beaucoup à Hollywood attend son scandale avec le réalisateur Oliver Stone pendant le tournage du film « Nixon. »Mais la nature véritablement artistique sont imprévisibles et à everyone′s, surprise, parmi eux a développé des relations très amicales.

 

« J'ai mis films avec de nombreux acteurs célèbres - dit Pierre - mais Tony n'a aucun égal.Pour le spectateur, il est prêt à tout.Et si à chaque fois."

 

Une décision audacieuse de ne retirer presque aucun maquillage était un prophète, et l'habileté avec laquelle Hopkins a remis des expressions faciales, manière, posture de Nixon, ainsi que sa voix distinctive conduit l'admiration. AnthonyHopkins a créé une image sombre de la politique de secretive, pas trop aimée lui-même (le résultat d'une éducation stricte), prêt, comme tous les idéalistes, saut à l'occasion de la Loi pour le bien de l'affaire de droit (de leur point de vue).

 

AnthonyHopkins, sachant que beaucoup de femmes trouve leur style créatif - émotion impulsif - de syncope romantique, étoilé dans le film « Picasso vivant », qui a lieu en France 1940-1950-ies. Cette image de la relation complexe entre l'artiste espagnol de 62 ans Francoise Gilot et arbitraire. Picasso est présenté dans le film comme un dominateur, parfois leur comportement peut quelqu'un veuillez, mais certains ne le font pas. Oui, il est parfois cruel, mais en même temps, il sait comment l'amour, être doux et affectueux. C'est une figure controversée, cependant, comme nous tous faire, » - dit Hopkins.Sa co-star, une actrice britannique de 25 ans Natasha Makelhoun par Anthony baptisé la nouvelle Audrey Hepburn, ou Joan Crawford.

 

« Quand j'étais plus jeune, il jamais senti confiant exécuter le rôle principal. Je ne se sentaient pas comme un héros - Anthony a reconnu Hopkins.-J'ai juste toujours voulu être un acteur célèbre.Mais maintenant, cette incertitude est passée.J'ai perdu 30 livres, que se trouvait dans une bagarre avec Oliver Stone (dans le bon sens du terme).Maintenant, en face de moi a ouvert de nouvelles possibilités.Quand je joue Picasso dans l'amour avec une femme très jeune, puis tout à coup senti que maintenant est en mesure de faire face à des images romantiques.Après tout, avec l'âge, l'esprit devient plus émotionnel."

 

Fait des amis avec l'acteur Brad Pitt, Hopkins a été retirée dans « Légendes d'automne » et de quelques années dans la « rencontre avec Joe Black ».

 

Peu de temps avant ses 60 ans de Hopkins apparaît dans le film « On the Verge », où l'intrigue il a dû se battre avec un ours sauvage et nager dans l'eau glacée. À la fin de ce film, il se rend au Mexique pour le tir « Zorro », mettant en vedette des jeunes avenger de mentor - Antonio Banderas. Mais alors que Hopkins a pu se faufiler dans un calendrier de travail serré une autre bande - Steven Spielberg′s drame historique "Amistad", où il joue le rôle de John Quincy Adams, qui, après que l'achèvement de son mandat fait l'acte noble et plus bruyant dans sa carrière - a aux esclaves rebelles de l'avocat au procès. Préparation pour le rôle de Adams, Hopkins retourné par le biais du volume illustré « Le président américain » et lire un chapitre de Jack Kennedy sur Adams dans son livre « braves profils.Acteur pas seulement idéale « ramassé » une voix pour ce rôle, mais elle ressemblait à un homme âgé de 72 ans.

 

AnthonyHopkins, a reçu le grade de chevalier, dont le nom est nommé l'un des théâtres du pays de Galles sa native, a décidé en 2000 de se déplacer en permanence en Californie.

 

 

À la maison, il offensait la presse britannique a fait un raffut. Officiellement un citoyen des États-Unis n'a aucun droit d'être appelé « Sir ». Cependant, il devint rapidement évident que Hopkins a l'intention d'avoir la double nationalité.

 

En décembre 2000, Sir Anthony Hopkins a annoncé son intention de quitter le show business ("out of les faisceau phares, » comme il dit). Dans le monde entier, ce fut un choc. « Je regarder en arrière et voir le désert... Mon dieu... Trente-cinq ans de soixante - et j'ai dépenser ? Et de ce que j'ai laissé ? Un couple de bons films, des mauvais... Ce que l'enfer je fais cela ? «-A déploré Hopkins.Mais le destin a décrété autrement.

 

De façon inattendue, Hopkins était le fait qu'une fois, il joue comme Hannibal Lecter dans le film de Ridley Scott′s « Hannibal » (2001), qui a tenu sa première mondiale au Festival International du Film de Berlin.

 

Dix ans se sont écoulés depuis le Dr Hannibal Lecter, d'échapper à une clinique psychiatrique.Aujourd'hui, il mène une vie digne du prince en exil.Éviter toute la police du monde, médecin-gourmet s'installe à Florence.Ici il est entouré par des symboles de la Renaissance, est cet homme, amoureux de la peinture et la musique, donné les amusements intellectuelles, d'effacer de la mémoire de leurs précédents actes horribles.

 

Pendant les dix premiers jours, le film a recueilli 100 millions de dollars. AnthonyHopkins , comme toujours, était magnifique, malgré l'intrigue faible et une abondance de scènes naturalistes. Cependant, le succès de « Le Silence des agneaux » est restée inégalé. Intérêt a été épuisée. Mais un autre carnivore poursuit les aventures du Dr « Dragon rouge » (2002) encore sortit, et Anthony Hopkins ont reçu un chèque de 20 millions de dollars...

 

Dans ses temps libres, Hopkins aime voyager, se déplacer en voiture. Il est difficile converger avec les gens, préférant la solitude. « Ma femme n'est pas une actrice - dit Hopkins.-Elle a assidûment partout, modeste, rationnel, calme, pas comme tous les Jeux.Je suis au complet face à lui.Mais c'est peut-être la raison pour laquelle nous sommes bien ensemble."

Fabuleux «, » excellent "-ces épithètes ne sont pas accordés seulement Anthony Hopkins.Et il a vraiment choquante et fascinant.  Hopkins - un grand magicien, avec l'apparition des qui sont cachée de beauté et un charme indéniable, captivant l'auditoire tout à coup, provoquant l'affichage que Hopkins - beau et unique.

 

  

 

SOURCES : http://www.microsofttranslator.com/BV.aspx?ref=IE8Activity&a=http%3A%2F%2Fthe100.ru%2Fen%2Factors%2Fanthony-hopkins.html